Rester créatif avec Jesse Feinman

Cette semaine, nous rencontrons notre collaborateur régulier, le graphiste éclectique Jesse Feinman, pour parler de son parcours, de son processus et de son langage visuel.

Découvrez notre interview de Jesse ci-dessous et suivez-le sur Instagram ici.  

Merci d’avoir pris le temps de nous parler, Jesse. Pouvez-vous nous en dire plus sur votre parcours créatif ?

J’ai toujours aimé dessiner et gribouiller à l’école primaire et au collège, en partie parce que mon oncle m’encourageait sans cesse à dessiner, peindre et tout le reste. Enfant, j’ai toujours été attiré par les choses visuelles, qu’il s’agisse d’illustrations rudimentaires dans des livres, de designs de voitures, de planches de bandes dessinées, etc. En grandissant, j’ai commencé à créer de temps en temps des choses pour les groupes de mes amis, ce qui était, sans surprise, assez mauvais. Je veux dire, vraiment mauvais. Mais je suppose que les demandes n’ont jamais cessé d’arriver, même quand elles auraient probablement dû s’arrêter, hahaha.

Je ne pense pas qu’il y ait eu un moment précis où j’ai décidé : « C’est ce que je veux faire. » J’ai étudié l’écriture à l’université, donc ce n’était pas exactement le plan, mais ce serait idiot de me plaindre, vous savez ? Après tout, je m’amuse tout simplement.

Comment définiriez-vous votre « domaine » ou votre titre en tant qu’artiste ? Quels sont les meilleurs et les pires aspects de votre titre, ou de l’industrie en général ?

Je ne me suis jamais donné de titre, et je ne compte pas vraiment le faire. Je suppose que je me définirais d’abord et avant tout comme éditeur, mais même cette appellation me semble inappropriée. Je ne sais pas, les titres m’ont toujours semblé vides et réducteurs. 
 
Le monde de l’« industrie » / de l’art offre beaucoup de choses merveilleuses. Vous nouez de nombreuses relations significatives et durables, et vous rencontrez beaucoup de personnes formidables. De plus, vous voyez votre travail apprécié, compris et entre les mains d’innombrables personnes, ce qui m’enthousiasmera toujours, au moins en partie. Travailler dans différents domaines du monde de l’art m’a également permis d’être constamment en train d’apprendre, de découvrir de nouvelles perspectives et de voir de nouvelles façons d’aborder les choses. C’est vraiment inestimable, je pense. J’ai parfois besoin de prendre du recul et d’apprécier tout ce qu’on m’a donné, comme toutes mes amitiés de toujours et mes souvenirs. Les aspects les plus difficiles sont probablement ceux auxquels on s’attend : des clients difficiles, des personnes qui ne respectent pas votre temps, des désaccords, le sentiment de perdre votre autonomie sur votre travail. Mais dans l’ensemble, ça va. Je pense que cela en vaut généralement la peine au final.

Comment choisissez-vous les thèmes de votre travail ?

J’ai tendance à explorer les thèmes auxquels je me sens le plus personnellement lié. Mon travail tourne, plus souvent que non, autour de la connexion, du sentiment et de l’expérience, d’une manière ou d’une autre, tout simplement parce que ces choses comptent pour moi. À mon avis, l’exploration est la meilleure lorsqu’elle est sincère, vous savez ? Je pense que le plus intéressant est d’essayer de transmettre ces messages et idées à travers, par exemple, des images de banques de données représentant des papillons, une ballerine ou quoi que ce soit. Prendre quelque chose qui existe déjà, le transformer complètement et lui insuffler une nouvelle vie.

Votre travail est très texturé et superposé. Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur votre processus ?

Je ne rentrerai pas dans les détails de la façon dont je fabrique mes trucs, mais je pense que l’équilibre entre les compétences et les processus est issu de mon affinement laborieusement progressif en tant qu’« artiste » au fil du temps. Je peux équilibrer et entrelacer thèmes et idées, texte et image, parce que je m’y suis exercé et que j’ai passé beaucoup de temps à essayer de donner un sens à tout cela. J’ai fixé pendant des heures les polices de caractères sur des disques à 5 $ de merde, vous savez, comme tout le monde. Je ne sais pas, je ne veux pas traiter mes processus ou mes opinions comme s’ils étaient précieux, alors pour le dire simplement, je pense que j’ai juste appris à mieux comprendre ce que je veux faire et comment le concrétiser en quelque chose de tangible.

Avez-vous essayé de nouvelles approches pour votre travail ?

Souvent, mes compositions dépendent parfois trop de l’équilibre, alors j’ai essayé de créer des choses moins rigides, plus fluides, et cetera. Cette approche est née d’un désir de changer et de me dépasser. Quelqu’un n’a-t-il pas dit un jour que la meilleure innovation naît de la nécessité ? Quoi qu’il en soit, tenons-nous-en à ça. 

J’ai également essayé de créer des œuvres qui reposent davantage sur la typographie que sur quoi que ce soit d’autre. La typographie possède une capacité incroyable à être le moteur d’un message, tant visuellement que linguistiquement.

 

SCRT est entièrement en faveur de l’idée de démystifier le processus créatif. Qu’en pensez-vous ?

Je ne pense pas avoir nécessairement quelque chose de particulièrement perspicace à offrir en termes de nouvelles façons d’aborder le travail visuel et tout le reste, mais je pense qu’il est important de se demander pourquoi vous créez ce que vous créez et ce que vous espérez accomplir en ajoutant quelque chose à l’éther. Cela ne veut pas dire que je suis nécessairement orienté vers des objectifs ou quoi que ce soit de ce genre — je suis nul pour me fixer des objectifs — mais je pense qu’un sens de l’objectif qui vient de soi donnera toujours vie à ce que vous créez. Et vous savez, votre objectif/raison/quoi que ce soit pour créer quelque chose peut être aussi simple que « parce que je le voulais ». Je pense que c’est une aussi bonne raison que toute autre.

Un conseil pour un créatif en devenir ?

Il est normal de s’éloigner des choses qui ne semblent plus amusantes ou personnellement gratifiantes, et il est également normal de dire « non » de temps en temps. Je pense que la sobriété et la retenue peuvent être bien plus puissantes que d’en faire trop ou de compliquer inutilement les choses — je vous conseillerais de garder cela à l’esprit. Et, comme pour tout, essayez de faire preuve d’empathie et de compréhension, tant que vous ne vous donnez pas trop.
 
Film préféré ?

Mon amie Tara m’a montré Paris, Texas quand j’avais 18 ans et que je venais tout juste de quitter le domicile familial. Cela m’a beaucoup appris, et je pense que la plupart des gens qui l’ont vu ressentent la même chose. C’est un peu l’un de ces films « à voir une fois dans sa vie », je pense. Allez, la réplique « Chaque homme a votre voix » ? Il faudrait être assez insensible pour ne rien ressentir en l’entendant. Sans parler du fait que Harry Dean Stanton (RIP) était vraiment le choix parfait pour ce rôle. J’ai lu que le film lui avait un peu brisé le cœur. Je comprends pourquoi.

Enfin, un client ou une collaboration de rêve ?

J’ai eu l’opportunité de travailler sur quelques designs avec Peter De Potter au début de cette année, et cela a été assez spécial pour moi. J’ai grandi en regardant LeBron James jouer tous les soirs, alors créer quelque chose pour lui, ou pour la NBA en général, serait l’aboutissement ultime d’un rêve, aussi ridicule que cela puisse paraître. Je ne sais pas — je suis vraiment un tel fan de tout… il y a tellement de collaborations qui me rendraient ravi. Heureusement, beaucoup de choses sur ma liste de rêves se sont un peu inexplicablement réalisées, peu importe à quel point je me sens indigne, hahaha.
 
En tant qu’éditeur, j’adorerais faire un livre pour n’importe lequel des photographes dont j’ai parlé dans cette interview. Wolfgang Tillmans pourrait être en haut de la liste, cependant. Il a eu une grande influence sur moi.

Merci, Jesse !