Manteniéndose creativo con Chris Harnan

Esta semana nos reunimos con el colaborador de la colección PV21 y la fuerza creativa Chris Harnan. Chris es un ilustrador y diseñador que trabaja duro en un estudio abrasador en el sureste de Londres. Después de trabajar con nosotros en nuestra cápsula Abraxas para PV21, nos reunimos en su estudio en junio de 2021, donde hablamos sobre procesos, la exposición de su trabajo, sus animes favoritos y Berserk de Kentaro Miura.

Gracias por hablar con nosotros, Chris. ¿Cómo fue que te iniciaste en el mundo creativo?

¡Sí, no hay problema! Además de dibujar y pintar durante toda la escuela, pasé mucho tiempo creando animaciones flash y personajes/historias dibujados con el ratón por diversión. Pasé la mayoría de las noches trabajando en videoclips toscamente dibujados e intensas escenas espaciales. Formé parte de varios grupos y comunidades en línea creando cosas muy nicho, pero antes de que las Wacom y las tabletas de dibujo fueran tan comunes. Creo que eso influyó en mi actitud hacia una estética sencilla y poco técnica.

¿Ha habido algo en particular que haya afectado este enfoque creativo?

Los artistas de cómics y diseñadores gráficos japoneses han tenido una gran influencia en mi forma de trabajar, especialmente en la experimentación con el trazo y la materialidad de maneras interesantes. Heta-uma, And Garo y, sobre todo, King Terry. David Hockney también.

Parece que utilizas tanto procesos digitales como analógicos en tu práctica, y ambos tienen una identidad visual y una estética muy marcadas. ¿Cómo logras equilibrar todo eso?

Bueno, como que cambio mi mentalidad entre uno y otro, y son independientes en cuanto a la asignación de tiempo, pero definitivamente se influyen mutuamente. En realidad, todo es positivo, porque me alejo de la pintura y el dibujo durante un par de días o una semana y regreso renovado, habiendo pensado en formas de aplicarme a ello mientras muevo cosas en una pantalla. Sin embargo, son enfoques muy diferentes. Siempre he sido perfeccionista con mi trabajo, pero tener la posibilidad de usar Ctrl+Z y encontrar el lugar perfecto para algo hizo que mi trabajo digital se convirtiera en algo mucho más deliberado cuando me tomé más en serio en mis veintes. Mi trabajo analógico se centra más en la experimentación guiada. 

Tu trabajo analógico, en particular, se percibe como muy gestual, casi automático en su proceso. ¿Piensas en algún tema o motivo al crearlo?

Para mí, gran parte de la diversión de trabajar consiste en reducir y simplificar el trabajo. Elijo dónde aplicar detalles y cuándo prestar más atención a ciertos elementos, pero siempre tengo en mente reducir y simplificar el trabajo para hacerlo más directo. Me encanta la idea de una forma más directa de comunicar: color, gestos cinéticos, símbolos y personajes sencillos, y palabras.

¿Puedes contarnos más sobre el trabajo utilizado para nuestra cápsula Abraxas? 

El trabajo de la colección está compuesto por una serie de dibujos que combinan pluma, carboncillo y pasteles al óleo. Inspirado en runas y en la iconografía de Abraxas, el trazo que se muestra es el resultado de simplificar y reinterpretar las inspiraciones originales.

¿Tienes algún consejo para los futuros creativos? 

Me alegra mucho haber mantenido otro trabajo no creativo junto con el dibujo, para poder seguir creando lo que yo quería hasta que esas cosas se convirtieron en lo que los demás querían.

¿Cliente o colaboración de ensueño? 

Realmente no tengo ninguno, lo siento, jaja. Más trabajo en moda, tal vez ver mi trabajo actual totalmente realizado como animación. Fuera de eso, libros y pinturas personales. 

Por último, ¿hay algún diseñador/artista del que deberíamos conocer? 

Erlend Peder Kvam, Julien Gobled.

¡Gracias, Chris!